Incluso yéndonos al Diccionario de la Academia Española de la lengua, es muy difícil hacer una definición satisfactoria sobre qué es arte. Según este diccionario el arte es “virtud, disposición y habilidad para hacer algo. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.”

Yendo más allá podemos dar la definición sacada del libro Diosas y Dioses de la vieja Europa 7.000-3500, mitos, leyendas e imaginería. “El arte expresa la respuesta mental del ser humano a su medio natural, ya que con él intenta interpretar y someter la realidad, racionalizar la naturaleza y dar una expresión visual a sus conceptos mitificadores”

Esta definición recoge cualquier expresión artística cabida por el ser humano pero no hace una relación definitiva con la publicidad. En tal caso, habría que decir que la publicidad no es un fin en sí mismo, como le ocurre al arte. El fin de la publicidad consiste en el efecto comercial que se le quiere dar, usando como vía el arte.

En este contexto podemos decir que la publicidad camina por una senda distinta a la del arte. No obstante, la historia no nos dice lo mismo. Las gráficas publicitarias están empezando a ser consideradas objetos de arte, campañas publicitarias antiguas creadas por artistas como Charles Reie Mackintosh, Kolomar Moser, Alfred Roller o Pierre Bonnard entre otros, considerados hoy en día importantes referentes generacionales en el “arte publicitario”.

Como tal, la formación artística es una base importante en la formación del publicitario. Porque si bien la publicidad está condenada a seguir fielmente el briefing que el cliente le entrega, para lograr unos objetivos, estos mismos se nutren de los ingredientes artísticos con el fin de conseguir el efecto deseado, y con el tiempo ser consideradas esas piezas como verdaderas obras de arte.

Se trata de fuerzas, de la irrupción inesperada de la primeridad, ese “primero” que Peirce (CP 1.357, c.1890) calificaba de “presente, inmediato, fresco, nuevo, inicial, espontáneo, libre, vivo, consciente y evanescente”. Una obra de arte resulta siempre de una tentativa de materializar fuerzas, intensidades virtuales, del orden de la primeridad. Estas fuerzas son evocadas en numerosos comentarios de artistas que se han explicado a propósito de su actividad creadora, y son nombradas de múltiples maneras.

Por ejemplo, Paul Klee hablaba del “entremundo”; el fotógrafo Edward Weston quería captar, en sus fotografías de conchas, la “epifanía de la naturaleza”; Oskar Schlemmer, director de teatro de la Bauhaus, decía que quería poner en escena “las fuerzas que engendran lo viviente”; para René Magritte, se trata del “Misterio”; para Yves Klein, de la “energía cósmica”, de la “Vida en el estado materia primera”, o también de lo “inmaterial”; para Jean Dubuffet, se trata de lo “indiferenciado”, etc.

El artista tiene la facultad de estar en contacto con la primeridad, como “los niños, los locos, los primitivos”, dice Paul Klee. Este contacto no es permanente, sino que se produce en ciertos momentos privilegiados, los momentos de “presencia de la mente”, como dice René Magritte.

Un contacto permanente llevaría rápidamente a la muerte mental, e incluso física, del individuo. Los artistas han evocado a menudo el vértigo y el miedo provocados por un contacto demasiado intenso o prolongado con la primeridad. Así, Jean Dubuffet habla de su “aspiración a reintegrar el corazón de las cosas, a alcanzar lo indiferenciado”; sin embargo, se mantiene en guardia: dice que se esfuerza por mantenerse “al borde solamente de la pérdida de toda consciencia de ser” (J. Dubuffet, L’homme du commun à l’ouvrage, París, Gallimard, 1973, p. 446).

Así pues, el artista está, en ciertos momentos privilegiados, en contacto directo con la primeridad. Pero, para captar las fuerzas de la primeridad y expresarlas, para darles forma, para comunicarlas, el artista debe construir su propia red simbólica, y por eso debe tener en cuenta, y más o menos deconstruir, el simbolismo preexistente.

Las reflexiones que preceden nos conducen a proponer esta definición de la obra de arte: La obra de arte es un espacio-tiempo real (un objeto, un suceso: un texto, un cuadro, un ready-made, una realización, …), en el cual nuevo simbolismo se elabora, integrando algo de posible.

Esta elaboración (del nuevo simbolismo que integra algo de posible) tiene lugar al margen de lo real conocido. Así, en una realidad “diferente”, la de la obra que se está haciendo, se producen conjuntamente la materialización de las fuerzas de lo posible y la actualización del nuevo simbolismo. En la obra de arte, lo posible se materializa volviéndose nuevo simbolismo.

Ahora bien, ¿qué pasa con el receptor? Situado ante la realidad de la obra, el receptor que la descodifica (y éste no puede ser cualquier transeúnte sin iniciación: una des-codificación requiere siempre un esfuerzo de atención, de curiosidad, de simpatía, así como un dominio de los códigos preexistentes), en el momento que la descodifica (y ese momento es fugaz … los efectos de una obra de arte no son permanentes); el receptor, por lo tanto, que descodifica la obra, es conducido, por el simbolismo de la obra, hacia lo posible que se encuentra integrado en ella. Para alcanzar lo posible virtualmente presente en el objeto-obra de arte, es necesario seguir la pista trazada por el simbolismo (es necesario descodificar).

Al final del recorrido, el receptor habrá asimilado una nueva red de símbolos, que modificará, por poco que sea, su visión de lo real conocido anteriormente. Jean Dubuffet lo explica claramente: Nuestra mirada ordinaria sobre el mundo opera a través de un filtro: el del acondicionamiento cultural que nos ha sido insuflado desde nuestra infancia. Quiero cambiar ese filtro. Mi objetivo consiste en buscar filtros de recambio de los que pueda derivarse una mirada renovada (J. Dubuffet, Bâtons rompus, París, Minuit, 1986, p. 81). Cuando, después de tal experiencia o “comunicación artística”, el espectador vuelva a su realidad cotidiana, su aprehensión de las cosas habrá cambiado: su visión de lo real se habrá renovado al contacto de lo posible.

Mi respuesta requiere ciertas consideraciones acerca de lo que es el arte y lo que es el diseño gráfico.
Arte como ahora la conocemos es un término moderno. Los objetos que percibimos como arte, que fueron hechos por los griegos, egipcios, aztecas, incas, etc. “El arte prehispánico no crea el arte por el arte, su propósito es traducir en forma plástica su sentir religioso” -(Vaillant) tenían usos prácticos, fueron admirados, reconocidos, pero no como arte en el término que nosotros usamos.

El término arte nace en el siglo XV o XVI en Italia.
Durante el Renacimiento el mundo del Arte emerge como Pintura Escultura y Arquitectura, después se les unió Música y Poesía, desde el siglo XVIII a estas 5 actividades se les denomina Arte. Quedaron afuera las Artes Decorativas, como alfarería, trabajo en hierro, la creación de muebles, el impresor, el ilustrador, etc. las cuales tenían una utilidad como finalidad.

Antes que existiera Gutenberg y sus contemporáneos, la producción de libros era totalmente artesanal, en esa época encontramos verdaderas maravillas en lo que se refiere a ilustración y tipografía.

Para el siglo XVIII y XIX, comenzó el verdadero auge en lo que se refiere a la impresión de libros y anuncios publicitarios, esto se debió a la rápida expansión de imprentas por todo el mundo. También la Revolución Industrial ayudó a que se imprimiera cada vez un mayor número de copias por hora. Esto llevó a un conflicto laboral, cada vez que salía una máquina se despedían a muchos trabajadores. (a veces los dueños de las imprentas las escondían hasta el día en que decidieran despedir personal).
Esta fue la época en donde nacieron grandes tipógrafos como Bodoni, Caslon, Baskerville, etc.

La diferencia entre el artista y el artesano comenzó en el renacimiento al darle un valor de inspiración a las actividades como la pintura, escultura o poesía. Para el siglo XIX el modernismo adoptó nuevas formas o valores distintos en la pintura, se comenzó a contradecir al arte renacentista. Marcel Duchamp en el siglo XX declaró que cualquier objeto producido por un artista es arte, esta posición ha complicado de sobremanera el significado del Arte.

Una definición exacta de Arte jamás la hemos tenido o existen infinidad de ellas que es difícil quedarse con una:
Arte es el uso de la imaginación y habilidad para crear objetos estéticos, ambientes o experiencias que se comparten con los demás.
La definición de arte es tan remota que pienso que nadie se atrevería a proporcionarla? Arte es una esquina de creación vista a través de un temperamento?
Arte es un método de abrir espacios o sentimientos en lugar de ser tan solo la representación de un objeto
Actualmente cualquier cosa puede designarse como arte?  Después de Andy Warhol nadie puede decir que es arte y que no lo es?

El Diseño Publicitario como tal ha estado viviendo mas o menos desde 1700, Fueron artesanos contratados por comerciantes para producir un anuncio de lo que vendían. La mayoría de la gente era inculta, así que el diseñador se las ingeniaba para representar las cualidades o poderes del producto lo mejor posible, de forma visual y con el texto en forma de síntesis.

Fue hasta 1922 que William Addison Dwiggins le dió nombre a la actividad de darle forma y estructura a la comunicación visual: Diseño Gráfico.

Diseño Grafico es un comunicador visual. Las habilidades requeridas son: explorar ideas y conceptos, práctica visual para resolver problemas, atención a los detalles, disponibilidad por aprender producción gráfica, ya sea en forma tradicional o en la computadora, estar listo para aplicar todo esto en las diferentes áreas de la comunicación visual.
El diseño Gráfico en nuestros tiempos es más universal, la gente se da cuenta que un logo o un buen diseño de paquete puede ser la diferencia entre ser escogido o pasar inadvertido.
Un diseñador Gráfico puede diseñar desde una invitación de baile hasta la imagen corporativa de una compañía transnacional. La mayoría de los trabajos se basa en algún proyecto determinado. En numerosas ocasiones se trabaja bajo extremas presiones de tiempo y con muy definidas especificaciones en el presupuesto. El diseñador tiene que sintetizar información obtenida desde diferentes fuentes: usar la información del mercado, especificaciones del costo del departamento de presupuesto, etc. Producir una variedad de bocetos o modelos para demostrar diferentes posibilidades del producto, por lo tanto se tiene que saber escuchar comentarios referente a lo estético, al color y a las necesidades del cliente.

Ser diseñador gráfico no es un solo trabajo o una sola persona: se tiene que ser por lo menos buen vendedor de ideas, comunicador, trabajar en equipo ya sea con colegas, clientes, impresores, programadores, webmasters, etc.
La especialización viene con la madurez. Evitar ser el diseñador con un estilo definido, tal vez el próximo año no sea del agrado del mercado. Capacidad de aprender a escuchar y cambiar cuando sea necesario (no casarse con una idea).
La consistencia es crucial, solo pregúntese cuantos diseñadores gráficos se gradúan cada semestre. Y lo que es más algunas veces no se requiere obtener un grado universitario para ser Diseñador Gráfico, pero es necesario tener cultura general, cultura visual y un constante estudio, para poder sobrevivir.
Un diseñador tiene que saber de la nueva tecnología aunque todo su trabajo se desarrolle en forma tradicional.
La competencia es cada día más fuerte. Hace algunos años los grandes despachos de diseño contrataban de 10 a 20 personas, ahora solo hay 5 o 6 diseñadores de planta. Por lo tanto existen cada día más gente trabajando por su cuenta. Los primeros años como graduado son difíciles, se tiene que construir un portafolio de trabajo, ganar reputación, etc. en esta época tiene uno que ser optimista, trabajar con muchas ganas, ser humilde y aprender de los demás.
Algo crucial y en donde la mayoría sufre, es SABER COBRAR. Tenemos que producir una buena estrategia a la hora de cobrar, porque o prostituimos el medio con precios muy bajos o cobramos muy caro. Ojalá que podamos crear un tabulador de precios por zonas geográficas y dependiendo la experiencia poder cobrar bien.